Муниципальное бюджетное образовательное учреждение

дополнительного образования

«Детская школа искусств № 3 им. Г.В. Свиридова»

Методический доклад

Тема: «Инструментальная танцевальная музыка»

Составила: преподаватель высшей категории

Чебрикова Наталья Ивановна

Брянск, 2016

2

Вступление

В

этой

работе

речь

пойдет

о

различных

жанрах

инструментальной

танцевальной музыки, исполняемых учащимися в детских музыкальных школах.

На протяжении веков музыка признавалась незаменимым средством развития

духовной культуры человека из-за своего эмоционального воздействия на нас.

Еще в Древней Греции музыкальному искусству отводилась лидирующая роль

в

воспитании.

Пифагор

считал,

что

музыка

является

проявлением

космической

гармонии и способна создавать у людей такую же гармонию и внутренний порядок

как в космосе. Аристотель же не только обращал внимание на педагогическую роль

музыки,

но

и

отдавал

должное

ее

терапевтическому

значению,

утверждая,

что

музыка

способна

благотворно

влиять

на

человека,

сглаживая

его

психические

переживания. И в средние века музыка была неотъемлемой частью воспитания

будущих вельмож. Умение играть на каком-либо инструменте ценилось не меньше,

чем способность ловко держаться в седле.

Танцевальная музыка прочно связана с эпохой, народным бытом и отражает

национальные особенности.

Когда слушаешь эту музыку, каждый раз убеждаешься, что не оскудела земля

наша на таланты. Всего семь нот, и нужно быть большим мастером, чтобы на

понятном

большому

кругу

слушателей

языке

всколыхнуть

море

эмоций

и

переживаний в их душах!

Рассмотрим

и

охарактеризуем

основные

жанры

инструментальной

танцевальной музыки, которые исполняют учащиеся детских музыкальных школ,

начиная с менуэта VII века.

3

Значение слова Менуэт по Ефремовой:

Менуэт

-

1.

Старинный

французский

бальный

танец,

характеризующийся

плавностью и медленностью движений и состоящий, в основном, из поклонов и

реверансов.

2. Музыка к такому танцу.

Значение слова Менуэт по Ожегову:

Менуэт - Музыка в ритме этого танца

(франц. Menuet)

Название ряда придворных бальных танцев XVII-XVIII веков. Музыкальный

размер - ¾. Темп от умеренного до умеренно-быстрого. Для танца характерны

реверансы, поклоны, маленькие шаги (Па Меню), изящные позы. Различают два

основных типа этого танца: менуэт XVII века и быстрый менуэт XVIII века.

«Самый изящный и изысканный танец, лучший образец придворного балета,

жемчужина

бала,

король

бальных

танцев,

король

танцев

и

танец

королей,

величайшее произведение искусства, когда-либо созданное в области танца», - так

говорили о менуэте в конце XVIII века. «Грациозный, галантный и любимый танец,

вычерчивающий на полу тайные знаки любви», - это о нем же столетием раньше.

«Простонародный, низкого происхождения, безалаберный, скандальный», - это тоже

о нем, но в середине XVII века. Почему так разнятся эпитеты?

Некоторые

танцмейстеры

относят

менуэт

к

эпохе

французского

короля

Людовика

четырнадцатого

и

объясняют

его

происхождение

весьма

просто:

«В

королевском «поклонном обряде» ножки в туфельках на каблучках делали изящные

шажки.

Этот

обряд

помог

родиться

«pas

menu»

(«маленький

шаг»),

этому

первичному менуэту. Постепенно в процессе развития простой обряд приветствия

королю, состоявший из реверансов (поклонов) как у мужчин, так и у женщин, все

более усложнялся: из сравнительно статичного состояния реверанса переходили к

движению

в

два-три

шага

и

более,

а

затем

и

полутанцу.

Так

из

«pas

menu»

образовался первый скромный менуэт, состоявший из ряда изощренно-почтительных

реверансов перед королем, где танца, хоть и примитивного, было уже больше, чем

реверансной поступи…»

На самом деле, этот танец появился задолго до рождения Людовика XIV.

Изначально

он

был

сельской

пляской,

отличался

живым

непосредственным

характером и имел совершенно другое название - Бранль а Мене из провинции Пуату

(франц. Branle de Poitou à Mener - танец из Пуату с ведением). Когда в XVII веке этот

танец стали исполнять при королевском дворе, то предпочитали объявлять его как

Амене - по последним словам названия (франц. Amener, от à mener - вести). С одной

стороны, таким образом, скрывалось его крестьянское происхождение. С другой

стороны,

подчеркивалось

предводительство

первой

пары

(первым

всегда

шел

король). Но в

XVII веке подобных «ведущих» танцев на балу стало много, и танец

Амене пришлось переименовать. История умалчивает о том, кто первый обратил

внимание на небольшой размер его шагов. Танцевальный шаг Амене был поистине

крохотным - настоящим Па Меню (франц. Pas Menu - маленький шаг). Исходя из

этого, танец получил новое название, слегка созвучное старому. Вместо «Амене»

стали говорить: «Менуэт».

4

Введение танца Амене (Менуэт) в придворный бальный зал сопровождалось

скандалом. Дело заключалось в том, что в Менуэте кавалер танцевал, прикасаясь к

руке дамы! Он всего лишь брал ее за кончики пальцев. Но все равно, это считалось

невиданным

нарушением

приличий.

Вести

даму

за

руку

позволялось

только

в

торжественных церемониальных танцах, открывающих бал. В чувственном танце,

каковым тогда считался Менуэт, это выглядело чересчур смело. Впрочем, с этим

быстро

смирились,

ибо

новые

правила

ввел

сам

король

Людовик XIV. Все же

придворным танцем Амене (Менуэт) стал именно при нем.

На балах середины XVII века Менуэт занял место Куранты и стал основным

придворным

танцем.

Из

Франции

он

распространился

по

всей

Европе.

Танец

состоял

из

многочисленных

поклонов

и

реверансов,

меж

которых

исполнялись

важные Па Грав (франц. Pas Grave - важный шаг), движения типа ,балансе-менуэт, а

также

специально

подобранные

придворные

позы.

В

танце

стремились

продемонстрировать максимум величия и изящества. Вначале менуэт танцевали в

умеренном

темпе

и

с

относительно

простыми

движениями

и

позами.

Однако

постепенно

темп

музыкального

сопровождения

ускорился,

а

движения

и

позы

усложнились.

Движения Менуэта стали очень изысканными во второй половине XVII века.

Над их разработкой и совершенствованием трудились члены Королевской Академии

Танца. Схема шагов была строго регламентирована. Композиция выстраивалась в

зале по рисунку букв S или Z. Еще больше усложнился Менуэт в XVIII веке. В 1763

году по случаю бракосочетания Людовика XVI и Марии Антуанетты танцевальными

академиками был сочинен Менуэт Королевы (франц. Menuet à la Reine), который по

сей день считается самым трудным для изучения придворным бальным танцем.

В XVIII изменилась придворная мода. В бальном зале это проявилось в

изменении

репертуара.

В

частности,

сильно

изменился

Менуэт.

Темп

танца

ускорился, так как основной шаг теперь делается на один такт музыки. Движения

приобрели вычурный и несколько жеманный характер. Появились комбинированные

танцы, типа бурре-менуэта (франц. Bourrèe-Menuet).

В этот период ни один танец не пользовался таким успехом в дворянских, а

затем и в буржуазных европейских кругах. Его успех демонстрирует замечательная

словесная формула: «Менуэт - это танец королей и король танцев!». Всеобщее

восхищение продолжалось до конца XVIII века и прервалось самым трагическим

образом. Во время революционных событий во Франции вместе с французским

абсолютизмом был низвергнут Менуэт. Формально его продолжали танцевать там,

где

давались

придворные

балы.

Но

общественная

атмосфера

кардинально

изменилась. В танцевальных залах наступила эпоха Вальса.

В XIX веке в качестве сценической музыкальной формы менуэт продолжал

активно существовать в балетном театре. А танцмейстеры использовали его как

образцовую модель обучения. С него начинали танцевальные занятия, им же и

заканчивали.

В России даже в конце XIX века ученики бальных классов обязаны были

уметь танцевать Менуэт à la Reine. В Германии Менуэту обучали вплоть до 1914

года, а во Франции, в Пуату, его танцуют и поныне.

Мазурка

Название произошло от жителей Мазовии - мазуров, у которых впервые

появился этот танец. Музыкальный размер - 3/4 или 3/8, темп быстрый. Частые

5

резкие акценты, смещающиеся на вторую, а иногда и на третью долю такта. В XVII

веке мазурка вошла в цикл польских крестьянских танцев. В XIX веке получила

распространение как бальный танец в странах Европы.

На самом деле за названием «мазурка» скрываются сразу 3 национальных

польских танца. Первый из них - мазур (см. выше). Оберек - разновидность мазура с

более прихотливым ритмическим рисунком и характерным акцентом на третьей доле

каждого второго такта. Куявяк - лирическая, медленная мазурка, трехдольность

близка к вальсовой; танец - размышление или танец - воспоминание.

Мазурке

принадлежала

огромная

роль

в

процессе

утверждения

самобытности польской музыкальной культуры. Мазурка в классической музыке

более всего связана с именем польского композитора Ф. Шопена, написавшего более

60 мазурок. Для него, истинного сына польского народа, мазурка была подобна

странице из личного дневника, в мазурке он высказывался как художник и человек,

глубоко любящий свою родину.

Мазурка Шопена всегда камерна, в отличие от его же полонезов - танцев

большого масштаба, крупной формы. Композитор использует характерные черты

всех видов мазурки, часто сочетая их в одном произведении. Сам Шопен разделял

свои

мазурки

на

3

основных

типа:

сельские

зарисовки-картинки

(«образки»),

городские

(блестящие)

и

лирические

мазурки.

Всегда

характерен

острый

ритм,

акцентировка, пунктирность, прихотливость ритмического рисунка, народные лады

(в частности, фригийский и лидийский, а также венгерская гамма и мажоро-минор),

субдоминантовая (плагальная) сфера гармонии. Драматургия яркая, конфликтная; в

одной мазурке может сочетаться несколько контрастных эпизодов.

В русской музыке известны мазурки М.И. Глинки, П.И. Чайковского, А.К.

Лядова, А.Н. Скрябина, А.К. Глазунова.

В мазурке, написанной Александром Гречаниновым два колена, из которых

первое напоминает звон колоколов, а второе - проигрыш песни «Мы с тобой два

берега».

Композитор Пуни при написании музыки к балету «Конек-горбунок» (1864

год) для своей мазурки в последнем действии использовал известную песенку «Жил-

был у бабушки серенький козлик».

Ритмика мазурки своеобразна, акценты, порой резкие, часто смещаются на

вторую, а иногда и на третью долю такта. Исполняют танец парами.

Мазурка представляла собой кульминацию бала и обязательно предполагала

импровизацию

и

мужское

соло,

дама

же,

полностью

подчинялась

кавалеру,

двигалась

плавно,

своим

спокойствием

как

бы

подстрекая

его

к

исполнению

причудливых фигур, например, антраша. Антраш - основной элемент мазурки -

высокий прыжок, во время которого надо успеть 3 раза хлопнуть ногой об ногу.

Особый шарм кавалеру придавало умение ловко пристукнуть каблуками в известные

моменты танца.

В

этом

танце

удивительно

распрямлялись

характер,

настроение,

ментальность нации, которая формировалась в особенной среде - на безграничных

просторах рядом со свободолюбивым величием реки Вислы.

По

происхождению

народный

танец,

мазурка

в XVIII

веке,

во

время

правления

короля

Августа III,

стала

танцем

городским

и

придворным.

Этот

народный танец, который сначала был свадебным, - в дальнейшем стал открывать

танцевальную часть всех без исключения праздников и знаменательных событий.

6

Мазурка

состоит

из

похожего

на

полонез

вступительного

раздела,

исполняемого несколькими парами, и череды танцев с разными фигурами. На основе

мазурки появилось множество танцев и вариаций, таких как вальс-мазурка, полька-

мазурка и па-де-труа. Кроме этого, в XIX веке популярным были танцевальные

бальные

развлечения

на

основе

этого

танца.

Со

временем,

мазурка

считалась

особым, главным танцем на любом балу. Тем более, что после мазурки, по правилам,

следовал обед и партнер по этому танцу вел даму на ужин, где имелась возможность

пообщаться в более близкой и непринужденной обстановке, пофлиртовать или даже

признаться в любви. Хорошим тоном считается поклониться своему партнеру перед

началом танца.

Как правило, танец обычно начинается с поклона кавалера, на что дама

отвечает кавалеру реверансом. В танце кавалер ведет даму, и все промахи и ошибки

принимает

на

свой

счет,

если

необходимо,

то

извиняется

перед

другими

танцующими тоже он. Танцуя, партнеры не должны быть слишком далеко друг от

друга, но и в то же время нельзя прижиматься друг к другу. Если в наряде дамы

присутствует декольте, кавалер не должен держать даму за обнаженные части тела -

спину и плечи.

Благодаря

плавным

и

сдержанным

движениям,

грациозным

и

аристократическим позировкам, мазурка завоевала особую популярность на балах

польской знати. Этот танец мог быть импровизационным - исполнители мазурки

варьировали движения по болерó (исп. bolero) - испанский народный танец.

Болеро

Первые исторические свидетельства о болеро относятся ко второй половине

XVIII

века.

Испанский

фольклорист

Хуан-Антонио

де

Самакола

,

писавший

псевдоним дон Пресизо (Don Preciso), полагал, что этот танец придумал около 1780

года

ламанчский

танцовщик

Себастьян

Сересо.

Согласно

современным

исследованиям термин «болеро» впервые встречается в 1773 году как сценическая

ремарка в комедийной интермедии (sainete) Рамона де ла Крууса «Приличная

гостиница»

(La

hosteria

del

buen

gusto). Историки

полагают,

что

музыкальный

материал для ранних болеро танцовщики заимствовали из сегидильи.

Для разных областей Испании характерны различные разновидности этого

танца. Трехдольный размер такта может по-разному дробиться: за равными долями

первого такта на сильную долю следующего такта следует пауза с последующими

тремя нотами меньшей длительности. В другом ритмическом варианте болеро на

короткие ноты дробится первый такт, при этом вместо первой ноты идет пауза.

Болеро

танцуется

под

аккомпанемент

гитары

и

барабана,

при

этом

танцовщики дополняют ритмический рисунок музыки игрой на кастаньетах.

В классическом балете болеро в виде парного танца присутствует в IV акте

балета

«Дон

Кихот»

(композитор

-

Людвиг

Минкус).

В

классической

музыке

наиболее известным произведением является «Болеро» Мориса Равеля, созданное

композитором по заказу Иды Рубинштейн и впервые исполненное ее труппой в

хореографии

Брониславы

Нижинской

22

ноября

1928

года

на

сцене

парижской

Оперы.

Как

музыкальный

жанр

кубинское

болеро

возникло

около

1840

года

и

постепенно

приобрело

популярность

во

многих

латиноамериканских

странах.

Считается, что одним из первых ярко выраженных произведений этого жанра было

7

болеро Tristezas, написанное Хосе Санчесом в 1883 году. Размер кубинского болеро -

4/4.

Танцующие поют и отбивают на кастаньетах сложные триольные ритмы.

Болеро состоит из 5 частей - Paseo, Traversias, Diferencias, Traversias, Finale. Каждая

часть

болеро

завершается

неожиданными

остановками.

Первая

часть

-

хореографическое

изображение

прогулки.

В

импровизационной

по

характеру

средней части (Diferencias) танцующие поочередно демонстрируют свое искусство.

Особой сложностью отличаются «полетные» движения мужчин.

Существуют различные варианты болеро. В Андалусии это сольный или

парный

танец,

проходящий

в

умеренно

быстром

движении;

в

Кастилии

распространено болеро-сегидилья, отличающееся более медленным движением; в

Леоне

болеро

исполняется

парами

в

3

ряда;

на

Балеарских

островах

-

двумя

женщинами

и

мужчиной.

В

первой

половине XIX

века

болеро,

обычно

исполнявшееся в Испании в дни народных праздников на улицах и площадях,

переходит на сцену. Ф. Барбьери вводит болеро в сарсуэлу «Премьера артистки».

Интерес к болеро начинает проявляться и за границей. Обработки народных болеро

имеются у Л. Бетховена («Песни разных народов», тетр.1, №№ 19 и 20).

Болеро

включается

в

оперы

и

балеты

-

«Слепые

из

Толедо»

Мегюля,

«Прециоза» Вебера, «Черное домино», «Немая из Портичи» Вебера, «Бенвенуто

Челлини»

Берлиоза,

«Лебединое

озеро»

Чайковского,

«Коппелия»

Делиба

и

др.

Болеро вдохновляет композиторов на создание многочисленных песен и романсов

(«Победитель», «О, дева чудная моя» Глинки, «Оделась туманами Сиерра-Невада»

Даргомыжского,

«На

бой

быков

смотреть

пошли»

Делиба),

а

также

инструментальных произведений: «Болеро» для фп.ор. 19 Шопена, болеро «Puerta de

Tierra» для фп. Альбениса, «Болеро» для оркестра Равеля, а также песни «Бэсаме

мучо» (1940) и «История любви» (1955).

Русский танец - это особый вид народного искусства. Не поддается счету,

сколько различных танцев и плясок бытовало на Руси и существует до сих пор в

современной России. Они имеют самые разнообразные названия: иногда по песне,

под которую танцуются («Камаринская», «Сени»), иногда по количеству танцоров

(«Парная»,

«Четверка»),

иногда

название

определяет

картину

танца

(«Плетень»,

«Воротца»). Но во всех этих столь различных танцах есть что-то общее, характерное

для

русского

народного

танца

вообще:

это

широта

движения,

удаль,

особенная

жизнерадостность,

поэтичность,

сочетание

скромности

и

простоты

с

большим

чувством собственного достоинства.

Русская пляска

Хоровод - одни из примеров русской пляски.

Хороводы

и

хороводные

песни,

отделившись

от

обрядов,

во

многом

сохранили тематику, поэтические образы, форму старинных игр, их мелодику, лад,

склад стиха и строчную структуру. Хороводы стали излюбленным видом народных

развлечений с конца XVII века, особенно среди молодежи.

Хоровод и его южнорусский аналог карагод - это одновременно танец, песня

и игра. Исполняются чаще по кругу, взявшись за руки, обычно сопровождаются

песней, иногда в виде диалога участников. Хороводы бывают женские и смешанные.

В каждом регионе России существуют свои особенности исполнения хороводов - в

движениях и переходах. Танцевальные рисунки, фигуры могут быть как женскими и

8

мужскими, так и совместными. Часто в хороводной песне есть действие. Участники

хоровода

стараются

инсценировать

содержание

песни.

В

хороводе

всегда

проявляется чувство единения, товарищества. Его участники, как правило, держатся

за руки, иногда - за один палец (мизинец), часто за платок, шаль, пояс, венок.

Хороводы

бывают:

орнаментальными

(плясовыми);

игровыми.

Иногда

выделяют как особую группу хороводов - пляски по кругу.

Орнаментальные (плясовые) хороводы

В орнаментальных хороводах тексты песен, исполняемые во время танца, не

содержат конкретного действия, ярко выраженного сюжета, участники хоровода

ходят кругом, рядами, заплетают из хороводной цепи различные фигуры-орнаменты.

Содержание

песен,

сопровождающих

орнаментальные

хороводы,

чаще

всего

связаны с образами русской природы, коллективным трудом, бытом и может быть

лирическое,

эпическое,

драматическое

или

шуточное.

Особо

стоят

песни,

отражающие

трудовые

процессы:

сеяние

проса,

уборку

льна,

плетение

плетня,

изготовление полотна и пр. Песню поют все участники хоровода. Запевала только

начинает, задавая тон и устанавливая темп. Участники подхватывают и продолжают

петь

до

конца.

Исполнение

каждого

орнаментального

хоровода

отличается

строгостью форм и малым количеством фигур. Весь хоровод чаще всего состоит из

нескольких фигур, которые органично переходят, переливаются, перестраиваются из

одной в другую.

Русская пляска - вид русского народного танца. К русским пляскам относятся

хоровод, импровизированные пляски (перепляс, барыня и др.) и танцы, имеющие

определенную последовательность фигур (кадриль, ланце и др.). В каждом районе

эти пляски видоизменяются по характеру и манере исполнения и имеют обычно свое

название, происходящее от названия местности или плясовой песни. Музыкальный

размер

обычно

2/4

или

6/8.

Русские

пляски

есть

медленные

и

быстрые,

с

постепенным

ускорением

темпа.

Перепляс

носит

характер

соревнования.

Для

женского

танца

характерны

плавность,

величавость,

легкое

кокетство,

игра

с

платком. Русские хороводы, украшая собой нашу семейную жизнь, представляются

столько же древними, сколько древня наша жизнь. Жили ли предки наши дома, они

занимались играми, плясками, хороводами; были ли они на побоище, они воспевали

родину в своих былинах.

С веселых пиров Владимира песни разносились по всей Руси и переходили

из рода в род. Прежние наши гусляры, вдохновители русской народной поэзии,

видны

доселе

еще

в

запевалах,

хороводницах,

свахах.

Как

гусляры

в

старину

открывали

песнями

великокняжеские

пиршества,

так

и

наши

запевалы

и

хороводницы составляют хороводы и пляски. Есть люди, указывающие нам на былое

действие,

но

нет

верного

указания,

когда

начались

наши

хороводы.

История

хороводов

заключается

в

преданиях;

а

все

наши

народные

предания

говорят

о

былом, как о настоящем времени, без указаний дней и годов; говорят, что делали

наши отцы и деды, не упоминая ни места действия, ни самих лиц; пляска мужчин

отличается удалью, ловкостью, широтой.

Полька

Полька

-

быстрый,

живой

среднеевропейский

танец,

а

также

жанр

танцевальной музыки. Музыкальный размер польки - 2/4. Полька появилась в

9

середине XIX века в Богемии (современная Чехия) и с тех пор стала народным

танцем.

Польки писал Иоганн Штраус I и его сын Иоганн Штраус II. Этот жанр часто

встречается в творчестве чешских композиторов - Бедржиха Сметаны, Антонина

Дворжака и других.

Польку,

поистине,

можно

назвать

интернациональным

танцем.

Эту

жизнерадостную и озорную пляску танцуют по всей Европе. И каждая народность,

овладев азами чешского танца, внесла в него свои национальные черты и колорит.

Термин

«полька»

происходит

от

чешского

слова polka,

что

означает

«половинный шаг». Быстрый темп требует проворного переступания ногами, из-за

чего шажки получаются маленькими, что и обусловило название танца. Родиной

польки часто считают Польшу из-за созвучного названия, но это не так. Кроме того,

путаницу вносит и шведский народный танец с музыкальным размером ¾ - польска

(polska).

Польку

-

веселый,

зажигательный,

бодрый

и

радостный

танец,

по

достоинству

оценили,

и,

вскоре,

ни

одно

празднество

не

проходило

без

полюбившегося танца. Полька - неотъемлемая часть любого торжества: народного,

светского, официального.

Полька быстро вошла в моду в Чехии, во Франции, а затем и по всей Европе.

В

Россию

в

1845

году

из

Парижа

танец

привез

знаменитый

балетмейстер

петербургской

императорской

труппы

Николай

Осипович

Гольц.

Сначала

танец

появился на сцене, а затем и в салонах аристократов. Вскоре ни один великосветский

прием не обходился без польки. Томные дамы из высшего света, наконец-то, смогли

проявить свой темперамент в веселом и озорном танце.

Сейчас полька распространена по всей территории Европы. В каждом уголке

она вобрала в себя национальные особенности разных народностей, и каждый, кто

танцует этот танец, по праву, считает его своим.

Полька - парный танец, темп - быстрый. Для того, чтобы танцевать польку,

достаточно

выучить

несколько

основных

движений,

но

быстрый

темп

требует

виртуозного их исполнения. Основной шаг польки ноcит одноименное название, он

состоит из полушагов, соединенных приставкой и выполненных в кружении пары по

кругу по линии танца или против линии танца. Чтобы придать танцевальным па

большей эффектности, дама может совершить поворот под рукою кавалера. Галоп по

кругу,

притопы,

ковырялочки

и

другие

па

приукрасят

танец.

Полька

-

это

и

концертный и социальный танец. Балетмейстеры ставят польку для демонстрации на

сцене. А на вечеринках, корпоративах и балах полька танцуется с любым партнером

под подходящую музыку.

Польку можно танцевать с любым уровнем подготовки. Это один из самых

первых танцев, которые дети изучают в детском саду. Начинающий танцор может

ограничиться

одним-двумя

движениями,

а

настоящий

виртуоз

может

продемонстрировать

все

грани

своего

мастерства.

Так

как

основное

движение

польки

-

кружение

пары

по

кругу,

то

партнеры

должны

обладать

хорошим

вестибулярным аппаратом.

Виды

Полька покорила всю Европу. Практически в каждой стране существует свой

вариант этого танца. Польку считают народным танцем в России, Белоруссии,

10

Украине, Чехии, Польше, Германии, скандинавских странах, республиках

бывшей Югославии и многих других. Зажигательный танец проник и в страны

Северной Европы, на Британские острова, и даже в США и страны Латинской

Америки. Каждая нация внесла в танец свои особенности: эстонская йоксу-полька

танцуется медленно, важно, молдавская - темпераментно, белорусская - грациозно,

украинская

и

русская

-

весело.

Войдя

в

репертуар

бальных

танцев,

полька

пополнилась бальными разновидностями: появились полька-галоп, полька-мазурка,

полька-котильон.

Этот легкий, веселый танец прошел проверку временем и еще долго будет

нас радовать своею красотою, изяществом и жизнерадостностью.

Чарльстон

Чарльстон

стал

популярным

танцевальным

сумасшествием

в

широких

интернациональных кругах американского общества 1920-х, несмотря на свое

афроамериканское происхождение. Танец чаще всего ассоциируется с флапперами и

спикизи. В те времена эти девушки танцевали вместе и поодиночке, подчеркивая

этим свое презрение к так называемым «сухарям» (людям, которые поддерживали

сухой закон). Чарльстон в те времена считался провокативным аморальным танцем.

Чарльстон - один из прародителей линди хопа (переходной формой между

ними

считается

Брейкавей).

В

1930-х

и

40-х

годах

получает

распространение

немного отличающаяся форма чарльстона, которая тяготеет к линди хопу. В этой

поздней форме чарльстона ритм хот-джаза 1920-х был приспособлен под музыку

свинга

30-40-х

годов.

Танцевальный

стиль

чарльстона

имеет

несколько

распространенных названий, наиболее часто употребляются «Линди чарльстон»,

«Савой чарльстон», «Чарльстон 30-х и 40-х», «Свинг- чарльстон». Базовый шаг

состоит из восьми счетов и танцуется вдвоем с партнером или в одиночку. Чарльстон

- танец, названный в честь города Чарльстон в Южной Каролине. Ритм получил

распространение в мейнстримной музыке США после премьеры на Бродвее шоу под

названием «Runninˊ Wild», в которой дебютировала песня «Чарльстон», написанная

Джеймсом П. Джонсоном и немедленно ставшая хитом.

Танго

Танго (исп. tango) - аргентинский народный танец; парный танец свободной

композиции, отличающийся энергичным и четким ритмом. Изначально исполнялся

исключительно мужчинами.

Сначала

получил

развитие

и

распространение

в

Аргентине,

затем

стал

популярен во всем мире. Танго также называлось «танго криольо» (tango criollo), что

и значило «аргентинское».

Сегодня

существует

много

танцевальных

видов

и

стилей,

в

том

числе

аргентинское

танго,

уругвайское

танго,

бальное

танго

(американского

и

международного

стиля),

финское

танго.

Танго

получило

распространение

от

африканских

сообществ

в

Буэнос-Айресе

на

основе

древних

африканских

танцевальных форм. Слово «танго» также имеет африканское происхождение, его

возводят к языку нигерийского народа ибибио, где оно значило «танец под звук

барабана» и применяют к мелодиям, полученным в результате синтеза различных

форм музыки из Европы, Африки и Америки. Хорхе Луис Борхес в El idioma de los

11

argentines пишет: « Танго принадлежит к Ла-Плата и является «сыном» уругвайской

милонги» и «внуком хабанеры».

Слово «танго», похоже, впервые используется в отношении к танцам в 1890-

е.

Первоначально

этот

танец

был

лишь

одним

из

многих,

но

вскоре

он

стал

популярным во всем обществе. В первые годы XX века танцоры и оркестры из

Буэнос-Айреса и Монтевидео отправились в Европу, и первый европейский показ

танго состоялся в Париже, а вскоре после этого в Лондоне, Берлине и других

столицах. К концу 1913 года танец попал в Нью-Йорк, США и Финляндию.

В США в 1911 году название «танго» часто применялось для танцев в ритме

2/4 или 4/4 «на один шаг». Иногда танго исполняли в довольно быстром темпе.

Несмотря на Великую депрессию, период 1930-1950 годов стал «золотым веком»

танго. Было создано множество ансамблей, в состав которых входили выдающиеся

композиторы и исполнители танго, ставшие сегодня классиками стиля: Аннибал

Тройло, Освальдо Пульезе, Астор Пьяццолла и многие другие. Возрождение танго

началось в 1983 году после открытия в Нью-Йорке шоу Forever Tango, принесшую

танцу новую волну популярности.

Обратимся к довольно популярному и в наши дни танго «Кумпарсита».

Кумпарсита

Автор - Херардо Эрнан Матос Родригес. Матос Родригес написал его, будучи

студентом университета в Монтевидео в 1914 году (а по другим источникам,

к карнавалу 1916 году). В первоначальном варианте это был небольшой (и пока еще

безымянный) марш, посвященный студенческой «кумпарсе» (cumparsa) - группе, в

которой в то время состоял автор: отсюда-то позднее и возникло название танго. В

1916 году в кафе Хиральда (La Giralda) в столице Уругвая выступал известный

аргентинский пианист Роберто Фирпо (Roberto Firpo) и его оркестр, которому через

своих товарищей Матос Родригес и передал ноты. Именно в этом кафе в сентябре

1916 года (впрочем, иногда называется и более поздняя дата – 19 апреля 1917 года)

впервые прозвучала ставшая впоследствии знаменитой «Кумпарсита».

По воспоминаниям Роберто Фирпо, во время его пребывания в Монтевидео

(Уругвай) в 1916г., где он в то время выступал в кафе «Хиральда», к нему как-то

обратилась группа студентов местного университета из примерно полутора десятка

молодых людей, которые сказали, что приобрели небольшой марш, из которого, как

им

кажется,

могло

бы

получиться

неплохое

танго,

и

предложили

сделать

аранжировку этого произведения. Они попросили, чтобы он закончил работу уже к

вечеру,

поскольку

это

необходимо

их

молодому

другу,

которого

зовут

Матос

Родригес. «Я сел за пианино, - говорит Фирпо, - припомнил два собственных танго

«La Gaucha Manuela» и «Gurda Completa», написанных еще в 1906 году, но не

пользовавшихся большим успехом. Взял понемногу из каждого. Вечером я уже

исполнял новое танго вместе с другими, такими как «Bachicha», «Deambroggio» и

«Tito Roccatagliatta». Потрясающий успех. Однако вскоре это танго было забыто,

настоящая слава пришла к нему только после того, как Энрике Марони и Паскуаль

Контурси написали к нему свои слова».

Сочинение было анонимным - молодой автор то ли из скромности, то ли по

наивности,

не

указал

тогда

своего

имени,

хотя

Фирпо

оно,

безусловно,

было

известно. Роберто Фирпо доработал «Кумпарситу»: используя материал

12

собственных танго он дописал вторую часть, а затем добавил и третью, использовав

музыку из опера Верди «Трубадур». Таким образом, у «Кумпарситы» фактически

три композитора: Родригес-Фирпо-Верди, - однако Фирпо никогда не считал себя

вправе

претендовать

на

соавторство,

полагая,

что

своему

успеху

«Кумпарсита»

всецело обязана именно первой части, принадлежащей Матосу Родригесу.

В 1924 году Паскуаль Контурси (Pascual Contursi) и Энрике Марони (Enrique

Maroni) написали к «Кумпарсите» новые слова (первый вариант, как и музыка,

принадлежал Херардо Матосу Родригесу), и она была исполнена певцом Карлосом

Гарделем. Именно эта версия в исполнении Гарделя облетела страны Америки и

Европы и сделала танго оглушительно знаменитым. Однако, поскольку слова и

название (танго было записано К. Гарделем под названием «Si Supieras» - «Если бы

ты знала») были изменены без согласования с автором, Родригес счел необходимым

обратиться

в

суд,

чтобы

отстоять

свои

права.

(Кстати,

во

время

именно

этого

процесса он сблизился с Гарделем и они стали хорошими друзьями).

Впоследствии

Матосу

Родригесу

пришлось

еще

неоднократно

защищать

свои права на «Кумпарситу» через суд и окончательный конец разбирательствам был

положен

только

в

1948

году,

когда

легендарный

«танговый»

композитор

и

исполнитель Франсиско Канаро (Fransisco Canaro), как президент Аргентинского

общества авторов и композиторов (SADAIC), вынес решение, в котором были четко

оговорены права и обязанности всех заинтересованных сторон: композитора, авторов

обоих вариантов слов, издателей и исполнителей.

Цыганская венгерка

Этот танец, более известный как «цыганочка», появилась в России в

XIX

веке. Автором музыкальной основы танца считается дирижер цыганского хора Иван

Васильевич Васильев, прямой предок популярного в СССР исполнителя цыганских

песен Николая Николаевича Васильева. Этот танец считается национальным для

русских цыган и популярен среди цыган России вообще. В мужскую версию танца

входит чечетка. Часто «цыганочкой» также называется любой танец русских цыган.

Характерной деталью таких танцев в исполнении женщин является волнующая

дрожь плечами, мелкая, если на груди шаль.

Цыганочка считалась египетским танцем, но в 1855 году вдруг выяснилось,

что цыгане - выходцы из Индии. В Индии существовала некая каста «Дом», в

которую входили музыканты, певцы и танцоры-кочевники. Они не имели своего

дома и жили, в так называемых, табарах. Они

были неприкасаемыми: никто из

властей не мог запретить им вести привычный образ жизни, то есть петь, танцевать,

веселиться и путешествовать.

Истоки цыганского танца.

Изгонять цыган из Индии стали в V веке, так как начались междуусобные

войны между многочисленными индийскими княжествами. Уже не нужны были ни

танцы, ни песни, ни музыка, а голод вынудил бродячих музыкантов отправиться в

другие

страны,

например,

на

запад.

Многие

цыгане

становились

оседлыми,

развлекая танцами и песнями все больше себя, чем других. Цыганам приходилось

зарабатывать себе на жизнь подручными средствами, так как постоянной работы у

13

них не было. Они занимались воровством, научились в Греции гадать. В их языке

становилось все больше и больше персидско-армянско-греческих элементов.

Особенности цыганского танца.

Этот танец исполняется сольно. У цыган не принято танцевать парами. Они

танцуют поодиночке, либо в хаотичном коллективе.

Ускоряющийся темп танца. Начинается танец очень медленно, с выхода, а

заканчивается быстрой частью.

Мужской

танец

-

стремительный,

быстрый,

четкий,

местами

резкий.

Мужчина использует «дробушку»: он отбивает ритм каблуками и перемещается

вперед. Другой способ танца называется «бивунец»: танцор ударяет ладонями по

бедрам, голени и подошвам.

Женский

танец - мягкий, нежный, но довольно-таки четкий. «Дробушка»

также используется женщиной во время танца, но при выполнении данного элемента

она не движется, а четко стоит на месте, движения в женском танце совершаются

преимущественно плечами. Женщина обычно поднимает руки над головой, иногда

опуская или резко выбрасывая их вперед.

Композиция танца.

Композиция цыганочки - это, как утверждают хореографы, самое главное в

танце, ее обычно делят на три части:

выход

исполнитель

появляется,

медленно

и

плавно

вышагивая

под

умеренную

музыку, как бы готовясь к самому танцу;

развитие

музыкальный

темп

нарастает,

танцоры

используют

«дробушки

с

движением», мужчины – « бивунцы», женщины исполняют прыжки;

финал

финал - это ритм бешеный и движения быстрые. Мужчины выполняют

трюки с хлопками и прыжками, женщины делают туры (быстрые повороты), играют

с юбкой, падают на пол на колени и, тряся плечами, прогибаются назад, а затем

ложатся

на

пол,

монисто

должны

звучать

по-особому,

очень

звонко.

Так

заканчивается зажигательный танец - жизнь.

Вальс-мюзет

Этот

танец

обязан

своим

названием

французской

волынке-мюзету

со

складчатым мехом, которая появилась во Франции в XIII веке, позже, где-то после

1900 года, ее сменил аккордеон. Этот вид вальса встречается в concerto grosso,

увертюре к «Альчине» Генделя, в опере «Бастьен и Бастьенна» Моцарта, в англ.

14

Сюитах И.С. Баха, позднее в произв. А.К. Глазунова, М. Равеля и др. Вальс-мюзет

применялся даже в оперном оркестре (произв. Ж.Б. Люли). Он был очень популярен

в 30-е годы 20-го века.

ВАЛЬС-МЮЗЕТ (франц. Valse Musette).

Французский общественный танец в характере Вальса. Музыкальный размер

- ¾. Темп умеренно быстрый. Объединяет романтические кружения венского вальса

и природную живость французского мюзета.

В наши годы появились мюзет-оркестры. В СССР были известны два мюзет-

оркестра

–

под

руководством

аккордионистов

Адольфа

Депранса

и

Мориса

Александера.

Такие

танго,

как

«Под

небом

Парижа»

Ю.

Жиро,

«Либертанго»,

«Большое

танго»

и

др.

Астора

Пьяцоллы,

«Колдунья»

Дж.

Приват,

М.

Витне,

Коробейникова «Грустный аккордеон» и множество других, очень популярны среди

современных исполнителей и слушателей и заслуживают почетное место среди

других вальсов.

Самба

Сам б а

( п орт. samba)

-

бразильский

танец,

символ

национальной

идентичности бразильцев.

Танец обрел мировую известность, благодаря бразильским карнавалам. Одна

из

разновидностей

самбы

вошла

в

обязательную

пятерку

латиноамериканской

программы бальных танцев. Исполняется в темпе 50-52 удара в минуту, в размере

2/4 или 4/4. Бальный танец самба возник в результате взаимного влияния двух

культурных

традиций:

африканских

ритуальных

танцев

чернокожих

рабов,

прибывавших в Бразилию из Конго, Анголы и Мозамбика, и европейских танцев

(вальс, полька), привнесенными португальцами. Самба также испытала воздействие

бразильского танца шоте (порт. xote,

xótis), развившегося из шотландской польки в

ее немецком варианте. До контакта с европейской культурой у африканцев не было

парных танцев.

Ритм самбы.

Отличительной особенностью самбы, как и других видов афроамериканской

музыки

и

танцев,

является

синкопированный

ритм.

Характерно

использование

полиритмии и перекрестных ритмов. Ритмическая полифония создается широким

набором ударных инструментов.

Кадриль

(франц. quadrille,

от

испан. cuadrilla, букв. - группа из четырех человек, от лат.

quadrum- четырехугольник).

1. Танец, распространенный у многих европейских народов. Музыкальный

размер, как правило, 2/4, состоит из 5-6 фигур, каждая имеет свое название и

сопровождается особой музыкой. Строится из расчета 4 пар, расположенных

15

квадратом. Танцевальные фразы поочередно исполняются разными парами, фигура

заканчивается общим движением, соединяющим всех участников танца. С конца

XVII до конца XIX века кадриль была одним из самых популярных салонных танцев.

Вошла

в

народный

быт,

где

существует

под

разными

названиями

-

русская,

украинская, белорусская, литовская, латышская, эстонская кадриль. Самобытностью

отличается

русская

кадриль,

имеющая

многообразные

местные

варианты:

московская, калининская, волжская, уральская и др., известны старинные кадрили

Ярославской области. Одна из разновидностей кадрили - народные танцы шестёра,

восьмёра, четвёра, распространенные на Урале и в северных областях РСФСР.

Русская кадриль

Кадриль - наиболее молодой вид русского танца. Она встречается на всей

территории

России,

за

исключением

некоторых

мест

русско-украинского

пограничья. Танец появился в начале XVIII века, в эпоху преобразований Петра I.

После

указа о введении ассамблей (1718), который стал переломным в жизни

городского населения, бальная кадриль постепенно была подхвачена и недворянским

сословием. Знакомство с кадрилью происходило на основе рассказа крепостных слуг

и различных служащих людей, которые, увидев исполнение танца аристократами,

повторяли

запомнившиеся

им

фигуры,

переделывая

их

на

свой

лад.

Жители

различных российских сел и городов знакомились с кадрилью на торговых ярмарках,

танец быстро стал популярен.

Войдя в народный быт, кадриль сильно видоизменилась, многие движения

создавались

заново.

Мелодия

и

манера

исполнения

приобрели

национальный

колорит.

Из огромного множества кадрилей по форме композиционного построения

можно

выделить

три

группы:

квадратные

(угловые),

линейные

(двухрядные)

и

круговые. Эти формы построения не всегда выдерживаются от первой фигуры до

последней: обычно смешиваются линейные и круговые или угловые и круговые

кадрили, при этом смешение происходит чаще всего внутри определенной фигуры. В

ряде кадрилей встречаются фигуры с другими формами построения.

Русская кадриль по манере исполнения, так и по своим фигурам значительно

отличается от своего первоисточника - бальной кадрили. В русской кадрили от 3 до

14 фигур. Название одних из них четко соответствует содержанию («знакомство»,

«девки нарасхват», «петухи»), название других происходит от места бытования

кадрили («клинская», «шуйская», «похвистневская», «давыдковская»). Появились и

фигуры,

заимствованные

из

пляски

и

перепляса

(«перепляс»,

«барыня»,

«камаринская»,

«топотуха

с

переплясом»),

а

также

из

других

бальных

танцев

(«вальс» и «полька»). Разнообразный рисунок русской кадрили состоит из таких

элементов, как «корзиночка», «воротца», «звездочка», «гребёнка», «круг».

Как

и

в

бальной

кадрили,

в

русской

кадрили

большинство

фигур

заканчивается

кружением

в

парах

и

поклоном

исполнителей,

каждая

фигура

отделяется

от

последующей

паузой

(объявлением

названия

следующей

фигуры,

притопом или хлопком).

Вальс

Это общее название бальных, социальных и народных танцев музыкального

размера ¾, исполняется, преимущественно, в закрытой позиции. Наиболее

16

распространена фигура в вальсе - полный оборот в два такта с тремя шагами в

каждом.

Впервые вальс стал популярен в Вене в 80-х года XVIII века, в последующие

годы,

распространившись

во

многие

страны.

Вальс,

особенно

с

закрытыми

позициями, стал образцом для создания многих других бальных танцев. Позже были

созданы многие разновидности вальса. В основном, танцевали на балах.

Своим рождением вальс обязан многим танцам разных народов Европы.

Корни его находятся в популярном для своего времени танце «матеник» и его

разновидности «фуриантэ», исполняемых на праздниках в чешской деревне, по

французском танце «вольт» («лавольта») и, наконец, в австралийском «лендлере»,

самом близком к вальсу из его предшественников.

Родиной Вальса по праву считают Германию и Австрию.

В XIX и начале XX веков существовало несколько различных форм вальса,

включая некоторые с размером 2/4, 6/8 и 5/4.

Коснемся характеристики вальса-мюзета, известного своей популярностью в

широких кругах музыкантов-исполнителей.

О

вальсе

можно

говорить

бесконечно

Его

разновидностей

огромное

количество.

Поговорим о вальсе, нашем современнике, написанном

брянским композитором Матвеем Блантером.

ВАЛЬС «В лесу прифронтовом».

Редкое

долголетие

суждено

этому

замечательному

вальсу

-

«В

лесу

прифронтовом». Как он родился? Исаковский отвечал на этот вопрос так:

«Стихи написаны на Каме, в городе Чистополе, когда шел второй год войны.

Работая,

представил

себе

русский

лес,

чуть-чуть

окрашенный

осенью,

тишину,

непривычную для солдат, только что вышедших из боя, тишину, которую не может

нарушить даже гармонь. Послал стихи старому товарищу, композитору Матвею

Блантеру, спустя несколько месяцев услышал по радио, как песню исполняет Ефрем

Флакс».

Блантер избрал для песни форму вальса. Чудесная мелодия звучит, словно

живое

человеческое

дыхание,

она

пробуждает

воспоминание

о

родном

доме,

о

мирной

жизни.

К

оригинальным

мотивам

композитор

«пристраивает»

хорошо

знакомые каждому интонации старинного вальса «Осенний сон», и это связывает

песню с чем-то очень дорогим, не омраченным в памяти никакими тяготами войны.

«В лирических песнях, которые мы писали во время войны, - вспоминает М.

Блантер, - хотелось дать возможность солдату «пообщаться» с близкими, высказать

сокровенные думы свои, высказать их подруге, невесте, жене, находившимся где-то

за тридевять земель, в далеком тылу».

Но «В лесу прифронтовом» - не только лирика. Эта поистине удивительная

песня, написанная с высоким гражданским чувством и мужественной силой. Ее

мелодия звучит как призыв к борьбе, она зовет на бой ненавистным врагом.

17

С берез не слышен, невесом,

Слетает желтый лист.

Старинный вальс «Осенний сон»

Играет гармонист.

Вздыхают, жалуясь, басы,

И, словно в забытьи,

Сидят и слушают бойцы -

Товарищи мои.

Так что ж, друзья, коль наш черед,

Да будет сталь крепка!

Пусть наше сердце не замрет,

Не задрожит рука.

Настал черед, пришла пора, -

Идем, друзья, идем.

За все, чем жили мы вчера,

За все, что завтра ждем!

18

З А К Л Ю Ч Е Н И Е

Итак,

мы

рассмотрели

и

дали

характеристику

основным

жанрам

инструментальной

танцевальной

музыки.

Они

в

доступной

аранжировке

могут

исполняться учащимися детских музыкальных школ.

Для

четкого

понимания

характера

и

стиля

определенного

танцевального

жанра,

преподавателю

необходимо

дать

ученику

основные

понятия

об

эпохе,

национальных

особенностях,

форме

исполняемого

танца.

А

также

обратить

внимание

на

размер,

темп,

штрихи,

эмоциональную

окраску

произведения.

Постараться самому исполнить либо найти в записи разучиваемую пьесу. Ребенок

должен слышать образец исполнения разучиваемого танца.

Польза

включения

в

программу

ДШИ

инструментальной

танцевальной

музыки велика. Это развивает у детей чувство стиля, вкуса, образа, формирует и

укрепляет внутренний ритм, четкость мышления и восприятия, моделирует

и

совершенствует их исполнительское мастерство.

Обычно, дети исполняют такую музыку с большим удовольствием, и их яркая,

выразительная игра может служить прекрасной иллюстрацией этой методической

работы. В нашей

детской музыкальной школе № 3 им. Свиридова Г.В. г.Брянска

такие

масштабные

музыкальные

проекты

для

учащихся,

их

родителей

и

общественности

города

мы

проводим

ежегодно.

Они

пользуются

большой

популярностью и успехом: дополняют полученные детьми на уроках музыкальной

литературы знания, расширяют кругозор, способствуют доступному восприятию

музыки большому кругу людей.

19

Л И Т Е Р А Т У Р А

1.

Костриков К. Н. Русская музыкальная литература с древних времен до

конца XVIII века.

2.

Лобова О.В. Музыка. Учебник для 3 класса.

3.

Цытович Т.Э. Музыка Австрии и Германии XIX века.

4.

Волынский А.Л. Азбука классического танца.- Л.,1983.

5.

Борзов А. Танцы народов СССР.- М.,1983.

6.

Шорникова Н. Музыкальная литература. Развитие западно-европейской

музыки.

7.

Тихонова А.И. История зарубежной музыки ч.3.

8.

Бачинская М.Н. Русские хороводы и русские песни.- М.,1951

9.

Климов А. Основы русского народного танца.- М.,1994.

10. Мей В.П. Азбука классического танца.- Л.,1983